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  • 文化艺术 - 历史留下来的文化舍利 : 巴黎赛努奇亚洲艺术博物馆至乐楼明清和尚和文人画展
    巴黎赛努奇亚洲艺术博物馆的至乐楼明清和尚和文人画展以展品的高品质,研究的多角度为在法国的观众们提供了一个很难得的机会,在珍贵的历史遗迹面前,在最精湛的中国书画面前,领略明清时代中国文化人的情绪,思想,通过我们现有的研究和传播条件,尽可能地把这些艺术遗迹放在更多元更完整一点的历史,政治,哲学和自然条件,生活方式的线索里,了解这些被公认为艺术杰作的古美术作品能够传达给我们当代人的一些故事,一些观点,一些远去的审美。文明互鉴不仅是东西方的,更是前人和今人通过艺术作品来促成的,在世界观,政治观,和艺术观上的觉悟的分享。 各位好,我是安东尼,欢迎收听文化艺术。巴黎赛努奇亚洲艺术博物馆正在举办一个很重要的中国明清时期的画展, 题目叫 “在世外桃园作画;明清和尚与文人画展”。作品来自大藏家何耀光捐赠给香港艺术馆的收藏,共50多件画作。何耀光的书斋有个雅号,“至乐楼”, 所以这批作品也被称作 “至乐楼”旧藏。  “至乐楼”旧藏来巴黎展览,对于法国社会接触和了解被当代艺术界, 尤其是艺术史界,公认的中国古典书法和绘画的精华提供了非常难得的机会。 巴黎赛努奇亚洲艺术博物馆的馆长 Eric Lefebvre 易凯介绍说,这次展览以沈周,文徵明,文伯任,仇英,陆治这些吴门画派的主要画家的作品开局,明末部分有董其昌, 蓝瑛, 清朝部分有王时敏, 王鑑, 王彚, 王原祁,石涛, 八大山人。展览还有一部分特别强调法和绘画的关系,展出了黄道周, 张瑞图, 鄒之麟, 傅山的作品。黄山绘画部分有梅清,弘仁和石涛的山水画作品。 “至乐楼”的这些旧藏非常有名,在中国很多专业画家甚至名家也只听说过,只通过印刷品看到过这些作品的面貌,但还从来没有机会近距离地欣赏原作。这次展览的消息通过口耳相传,通过网路,也引起了中国国画界的注意。远在杭州的著名中国画家,中国美术学院教授林海钟说,亲眼看到这些作品,墨和气息是直接的,就像你见到真人一样。不在巴黎,看到的只能是拍的照片。真羡慕能去看这个展览的观众。易凯也特别指出,面对原作是一个很具体的经验,能够面对这些中国艺术史上最有名的书画家艺术家的原作,就是这次展览的一个特点,真的非常难得。 “至乐楼”旧藏的艺术性很强。诗情和画意通过笔墨把明清特有的风貌和生活情趣展现了出来。易凯以石涛为例,提到石涛如何根据他的好朋友黄研旅的诗作画了册页。其中的形态的变化把石涛的想象表达得惟妙惟肖。这部册页很具体地展示了石涛惊人的创造力。易凯特别推崇石涛的海景图。林海钟从他在图片中看到的赛努奇亚洲艺术博物馆的“至乐楼”收藏里看到一幅石涛的江景图,赞不绝口。画面里大坡度的激流中冲下来的小船颇为传奇。 “至乐楼”旧藏的思想性更值得深入研究。从什么角度来研究,这是一个有意思的问题。在法国汉学界,法国的中国美术史学界,Cederic Laurent 从山中隐居作为一个切入点,来研究“至乐楼”收藏的明清中国画里通过山水表达的精神。而在亚洲,香港艺术馆的学者司徒元杰和邓庆燊的研究角度是明末清初面对新旧政权交替过渡画家们的态度和这种态度在画作中的表达,表现。美国学者Elisabeth Kindal 指出黄山就是忠于明朝的遗民心中合法主权的象征。 那么对不是专门研究汉学,不是专门研究中国绘画的法国普通观众,他们又有什么样的办法来欣赏和理解中国明清阶段最著名的书画家们的作品的呢 ?易凯说这些观众用自己对西方艺术,尤其是西方绘画的理解来对比着欣赏这次展览。 他就跟法国观众说,这次展览的重要性和时间跨度如果能用欧洲绘画来打个比方的话,就好比做了一个从Piero della Francesca 到 Antoine Watteau 的名家绘画展。 这次巴黎赛努奇亚洲艺术博物馆的至乐楼明清和尚和文人画展以展品的高品质,研究的多角度为在法国的观众们提供了一个很难得的机会,在珍贵的历史遗迹面前,在最精湛的中国书画面前,领略明清时代中国文化人的情绪,思想,通过我们现有的研究和传播条件,尽可能地把这些艺术遗迹放在更多元更完整一点的历史,政治,哲学和自然条件,生活方式的线索里,了解这些被公认为艺术杰作的古美术作品能够传达给我们当代人的一些故事,一些观点,一些远去的审美。文明互鉴不仅是东西方的,更是前人和今人通过艺术作品来促成的,在世界观,政治观,和艺术观上的觉悟的分享。 巴黎赛努奇亚洲艺术博物馆至乐楼明清和尚和文人画展 2021年11月5日至2022年3月6日 Peindre hors du monde, Moines et lettrés des dynasties Ming et Qing Collection Chih Lo Lou.  Du 5 novembre 2021 au 6 mars 2022 地址 Musée Cernuschi 7 Av. Velasquez, 75008 Paris
    11/25/2021
    12:55
  • 文化艺术 - 卢森堡艺博会印象
    一个10岁左右的小男孩,戴着帮他通往虚拟现实的头盔,和一个天线一般的小耳机。稚嫩,脆弱,又新潮。这是一个胸像,很像欧洲世世代代富贵人家放在大理石柱子上的青铜胸像或者是大理石胸像的比例,但机理象是蜡的机理,胸像表面看起来不太稳定,蜡液一条条地流淌下来,感觉快要融化了的样子。实际上雕塑的材料是玻璃钢,蜡像机理就是一个效果 。这是上个周末我在卢森堡的艺博会 Luxembourg Art Week 上看到的一件雕塑作品, 是艺术家王度在2019年做的, 巴黎艺廊 Laurent Godin 在艺博会上的一个显著位置展出了这件作品。 什么是虚拟现实 ? 虚拟现实就是一个让你感觉更逼真的图像,它通过数字技术丰富了你的视觉感官的触角,它通过数字技术让图像传播到更多的人那里,并且产生互动。这跟历史上从手抄本手绘本的书籍过渡到印刷的书籍是一个道理。技术革命给人们的生活带来了更多的方便,让人们有一种全新的生活体验。 但是技术革命往往也会在提高生产力和生产效率的同时,破坏原有的财富分配平衡,导致社会各阶层间的矛盾,产生社会动荡。这是历史经验。 艺术家王度好像对技术革命的破坏性与技术革命的进步性同样敏感,他给作品取了一个名字,叫 Beyond Truth,  意思是游离真实。 王度是一位有批判现实主义精神的观念艺术家。观念艺术是一种区别于现代主义艺术的更当代的艺术形式。它的特点不仅在于图式和形式的出人意料,更在于它继承了文艺复兴写实艺术中反映当代生活的传统,象一面变形的镜子,让人在只可意会不可言传当中心领神会。 艺博会上另一件引起我注意的观念艺术作品是 Maen Florin 的雕塑装置。艺博会上,艺术家展出了几组作品,一组是文艺复兴时代的人物形象,富贵,优雅,高傲。但是他们要么象是被绑着,要么象是被囚禁,要么象是在受刑,要么象是要被砍头。另一组是普通人,他们也在一种难受的姿势中,好像在遭受了某种压抑或者压制之后变形了,失去了复原的弹性。还有一组是一个一个俊男的头颅,既有一点象古典天主教绘画里烈士的头颅或者欧洲神话中厮杀后被砍下的头颅,也有一点象十九世纪法国无政府主义运动的几位著名人物的头像。卢森堡一家税务和法律顾问事务所的老板在博览会的收藏家宴会上走到我跟前问我,怎么解读Maen Florin的这组作品,其实他的解读和我的解读一摸一样,但是他不放心,一定要在我这里得到印证。我告诉他我的感受,他说他也是这么觉得的,但是艺术家本人告诉他,普通人那组人看上去有点异样,因为艺术家关注自闭症社群, 所以在创作中多多少少带上点自闭症人群的气质。 艺术家所说的自闭症气质赫然出现在卢森堡艺博会的大门口。一件硕大的普通人组的苦难表情的雕塑作为第七届卢森堡艺博会的招牌作品在正门口迎接来宾。 这个苦难表情也正对着卢森堡艺博会的赞助商和合作单位的招贴,其中就有税务和法律顾问事务所。这次博览会办的讲座上一个重要的话题就是艺术市场的征税与买卖。 实际上在新技术革命正在提高生产力和生产效率的今天,在新冠疫情象18世纪路易十六时代天灾一样肆虐的今天,在卢森堡这个以金融和避税闻名的欧洲小国,艺术市场同样透露出行将结束的旧体系还没有结束,即将到来的新体系还没有到来的青黄不接时刻,一种欲言又止的心照不宣。这种心照不宣在艺术家的图像和收藏家的解读中间表现得清清楚楚。 卢森堡本地的 Nosbaum Reding 艺廊在艺博会重点推出了艺术家谢素梅 Su-Mei Tse 的作品。谢素梅的工作就像一个放大镜,将一个很细微的情绪通过聚焦放大。她拍摄了制陶工程中的工序,用近镜头,用集中收音把手工塑形的细节变成了意境。她请陶瓷工匠用白瓷仿制宣纸,制作成一叠非常脆弱的陶瓷宣纸。她把经过暴风雨渗漏腐蚀过的古典雕塑的照片直接拿来作为新作品,给这些受伤的作品新的生命。实际上,谢素梅通过她制造的氛围,她塑造的意境,用她的图腾来引导观众高度集中注意力,她就像一个佛教法师来引导艺术信徒静坐禅定,在看过王度和 Maen Florin 的作品后,能让自己的心宁静下来,阿弥陀佛,吉祥如意。 卢森堡艺博会是一个非常年轻的小型艺博会,今年是第七届。今年50岁的艺博会的创始人 Alex Reding 说,他是在2015年创办了博览会。对于他这么选艺廊选作品,他说他很难只选当代艺术中的某一类作品。因为他们的客户层次很多元很丰富,有历史意义的好作品一定好卖,当代艺术的好作品一定好卖,但我们有的客户喜欢装饰性强一点的作品,有的客户想要买价位低一点的作品,他们也能得到满足。 在卢森堡艺博会上,我们除了可以看到昂贵的Man Ray 的国际象棋以外,也可以看到完全不出名的葡萄牙画家 Nuno Lorena 的炭笔绘画。他是一个没有经过美院训练的艺术家,他用炭笔把一间有钢琴有肖像有窗帘的房间的光影在一种诗意的含蓄对比中描绘出来。青年摄影家 Alexandre Ismail 是一位有一半埃及血统的欧洲人,他为 Nosbaum Reding 艺廊工作,他说:Nuno Lorena 60 岁了,他是自学成才的,他的大幅炭笔画在光线和细节上非常讲究,我们眼前的这幅这幅作品,图像来自照片,受切尔诺贝利画面的启发画的。 法国政府在这一届的卢森堡艺博会上也有参与,在法国外交部的帮助下,三位年轻的缅甸艺术家 Chuu Wai Nyein , Mayco Naing, Nge Lay 带着自己的作品与卢森堡的藏家见面。法国驻卢森堡大使馆的文化官员 Lanrence Lochu 说,在缅甸二月份发生政变之后,法国的文化学院积极营救缅甸的青年艺术家,让他们免于牢狱之灾,拘捕之灾,酷刑之灾。 法国艺廊,卢森堡博览会创办人, 法国政府,各有各的兴趣点。有艺术的兴趣点,有政治的兴趣点。可以肯定地说,我看到的这些兴趣点只是卢森堡博览会里的几个侧面。世界有多么丰富多元,艺术就有多么丰富多元,艺博会的藏家晚宴上,一位年轻美貌的美国小姐说她是艺术品咨询顾问,特别喜欢教那些在艺术领域还是一张白纸的富人怎么样去选艺术品。这位小姐是好几位年轻的艺廊主的注意的焦点。另外告诉大家当代艺术市场的税务和成交关系的讲座安排在离博览会四十五分钟车程的偏僻场馆于早晨八点半开讲。看来非要有这方面的雄心藏家才会去,不然, 那么早, 那么远, 无事就不登三宝殿了。
    11/17/2021
    12:53
  • 文化艺术 - 赵端和王柳飒
    女艺术家赵端正在华裔艺廊主王柳飒那里开个展。在一年一度的法国国际当代艺术展销会 (Fiac)和今日亚洲艺术沙龙 ( Asia Now)之前,在巴黎这两个最重要的集艺术家、艺商和藏家于一堂的盛会期间举办个展,艺廊主对艺术家的信任和支持不言而喻,明确而坚定。 之前,赵端在王柳飒的艺廊已经举办过两次个展,第一次取名“逃逸线”,第二次取名“零点”;这次取名 “一百个标题”, 法文叫 Cent titres,正好是 “无题” 的谐音。 因为王柳飒有组织有计划的推举,因为在巴黎前辈大艺术家那里的口碑,赵端和她的工作自然一点一点地走进了巴黎艺术系统的视野。 这是一位在中国东北部重工业城市沈阳长大,在那里学习过前苏联的写实绘画的旅法第一代移民艺术家。和来自中国中原河南的王柳飒那瓷器一般精致的脸不同,赵端的形象,一眼看过去,就像雕塑家做头像的泥塑小稿,轮廓细节已经很粗犷地造了出来,但是还没有法文里讲那种的 finition , 就像最后的润色工序还没有完成的样子。她讲起话来,还有淡淡的东北口音,在中国全力推广与集中领导、统一指挥的核心型政治制度相匹配的标准语音的今天,在赵端这个年纪,她的口音也给了她一份残留的野性,非常难得。当她对你有兴趣,想跟你交流的时候,眼睛里会散发出麝香的味道,那张雕塑小稿版的缺乏精致的陶土质脸庞瞬间会幻化成让人难忘的,上瘾的那部分身体。很奇怪的。 刚来法国的时候,赵端嫁了人。我问赵端,你那时是组建了自己的家,还是走进了丈夫的家。赵端很明确地告诉我,她走进了法国丈夫的家。那个时候,和多数追剧的中国人一样,赵端也被你死我活的宫斗剧本包围着,吞噬着,消磨着。 在发展不平衡、不充分的实验资本主义时代,中国泱泱一片小老百姓们感觉在丛林里走投无路,整天想的就是怎么才能做到不被自己的同胞伤害,怎么要比自己的同胞更绝,怎么才能 比自己的同胞得到更多的资源分配。所谓怎么,就是拼体力,拼智力,拼感情,拼美色;人本身的一切自然资源都要用到争夺稀缺的文明资源的斗争中去。那个时期,中国的治理体系还没有提出再分配,小老百姓只有在娱人的宫斗戏中寻找灵感,借鉴办法,搬到生活里活学活用 ,梦想着在大浪淘沙中鲤鱼跳龙门。赵端说,到了法国的夫家之后,她发觉完全不需要这些,顿时她的日子轻松,好过,感觉到非常陌生的安全与温暖。她开始享受其乐融融的天伦。 但是婚姻里的异国情调只是一个方面。对眼神里散发麝香味的赵端来说,婚姻的根本是男人和女人之间的事。后来,她和一个巴洛克音乐家组成了一对男人和女人。巴洛克音乐是极简的对立面,无比繁复,在繁复里见节奏,见花腔,见诡异,见心计,见情调。这和赵端现在的艺术正好合拍。 现在的赵端实际上是一个行为艺术家,所有展示的作品都是她的行为工作的痕迹和有设计感的展陈。当你在痕迹里闻到了麝香味,你就抓到了她的行为的初衷,抓住了灵猫的一部分魂。 赵端象巴洛克作曲家写乐句小节一样,先写出一个单元造型结构,很基础,很简单的那种。然后拿这个小节的不断重复来写句子,用句子的不断重复来写篇章。就像麝香不断地分泌出来,余香袅绕,时而飘洒,时而缤纷,非常迷惑人。但是作者赵端非常清楚,她要的是一个区块链, 她的劳作,也是一种分泌,分泌出来,帮区块链组成方圆。 这个方圆有意思吗? 你不明白它们的意思吗 ? 赵端会在自己大腿的某个部位拓印下皮肤和毛孔的纹理,仿造她劳作的方圆区块链局部,让观察她的人看到她身体里最原生态的单元细节和她设计出来的小节单元的形态有多么神似 ? 你要是再迟钝一点,赵端会偶尔提起,她在彷徨时刻,会画自己的私处,就像她在画区块链一样,不断重复,不断画, 一张一张接着画,画她的私处的机理,画她私处的表情,画她私处的味道。只是王柳飒这次没有展出赵端对自己的身体的私处的描写。 麝香不可以用纯的,只有用淡的,用很小一部分,拿来和其他香料结合,麝香才能起作用。古代巴洛克音乐里可能有比较妖精的内幕, 但是取一点点妖野时刻酣畅的芬芳,放进章法和节奏的回旋里,才能高级。 于是在新冠疫情期间,赵端请来了100个人,多数是熟人,甚至朋友。那是在一个有很多交际禁忌的时刻,那是在一个人类陌生的病毒横行的时刻,那是在一个不听法国政府话可能会在瘟疫中送命的时刻,赵端用她在法国学会的无宫斗的温柔宁静和在中国养成的有组织有计划的心思,说服大家去她的工作室当模特。一对一,眼睛对眼睛,呼吸对呼吸,麝香对绵羊,麝香对狐狸,麝香对公鸡,麝香对老虎,麝香对孔雀,麝香对贵族,麝香对平民,麝香对法国人,麝香对中国人,她拉着对方的手,用她在沈阳学到的写实绘画办法,很享受地把客人的脸画到了客人的手上。画的过程中,窃窃私语,有的没的,写实的,意向的,东家的苦难,西家的世外桃源,你的,我的,我们的,他们的,中国的,法国的,她都说,都让对方说。画完以后,她就像把自己大腿上皮肤的纹理拓下来那样,把客人手上的写实肖像也拓下来。一百个客人,一百张肖像,好像要在她再跳一次龙门之前,把成了名的前辈艺术家当初在埃菲尔铁塔,在蓬皮杜广场画头像的经历也拓一遍一样。她把这一百个头像取名一百个题目。 实际上,一百个人,一百个题目,也许不够,只是开始。就和赵端用自己的肌肤纹理来影射的人工设计的区块链元素一样,可以一直扩大和继续下去, 也许一直做到一个可以被解释成人类命运共同体的图腾。 但赵端说,她对现在的世界,我们生活的时空非常不理解,不知所措。她没有答案,只能走一步看一步。只是在艺术工作上,她好像找到了方法,有了自己的套路。但这个路数究竟是什么,她欲言又止,一下把眼神里的麝香收了回去,好像有顾虑一样。 和赵端一样,支持赵端艺术工作的艺廊主王柳飒也是来自中国的第一代移民。出身于邓小平时代得到中国政府允许先富裕起来的政商精英家庭,她曾经在北京中央戏剧学院学习舞美。这是一位完全不想把精明秀给任何人看的巴黎华裔少妇, 却很实际地在你还没有来得及注意的短时间内把事业在能出成效的对的路数里推进。无论是经济资源,文化资源,还是人脉资源,面面俱到。她在上个世纪红极一时的法国大画廊破败之后的高级地盘找到一个曲径通幽的空间,离蓬皮杜咫尺之遥。 非常明显,她在做一个目前不能有任何盈利的艺术商业平台的实验工作。作为民间的艺术商业平台创建人,王柳飒在摸着石头过河,看看艺术品店铺如何通过知识分子型的升级来创造高附加值的经营。她开垦的是海外华人中文化商业的一片处女地,拿她自己的话来说,她在播种。作为华裔,她要在海外中国人没有经验,没有先例可循的艺术附加值和文化附加值经营平台里,摸索规律,开发自己的路。 在推举了好几位欧洲青年艺术家的同时,她与赵端这位沈阳来的艺术家合作,她相信赵端的潜力。她用她的中国理性,用在法国人那里捕捉到的逻辑,用她富家千金的财力,用她的信心,来成就赵端的商业市场。 这位看起来瓷器般精致的女人,有一种不易被人察觉的淡淡隐忧,但是和赵端的巴洛克似的组织和计划比起来,她更有一种义无反顾的底气和信念在贯穿着和支持着她。她在工作中快乐着,在工作中,隐忧风轻云淡地飘走。 时不时一阵精贵难得的麝香味飘来,一天赵端说要柳飒出钱给她度几天假, 她要寻找灵感;过不了多久赵端又说,晚上要住在柳飒家客房,可能要和巴洛克情人保持一晚上的距离。柳飒笑一笑, 谁让她和蓬皮杜这个超现实主义的大仓库是邻居!
    10/13/2021
    13:27
  • 文化艺术 - 老虎和秃鹰,神坛和天堂: 谈严培明在阿维尼翁的展览
    严培明是当代一位重要的艺术家。重要,是因为他从上海弄堂里平民百姓家一个爱画画的少年在短短三十多年的时间里成长为给人欢喜、希望、信心的艺术家。重要,是因为他的艺术里有精神,这种精神能起到创作者和观众对焦世界观的作用。重要,是因为他自己翻转人生的经历不仅促成欣赏他的画作的人分享到灵感,甚至想象在灵感的指引下,也长出大气运的羽翼,在大千世界里飞起来。 严培明画肖像很有名, 文艺复兴时期美第奇家族和权贵怎么向今天已经成为艺术圣人的画师和雕刻师定制肖像,现在这个时代的政商精英就怎么向严培明定制肖像,有欧洲的,有阿拉伯世界的,有功成名就的,有隐姓埋名的。据说等严培明的肖像要排队,因为他不多画。2006年的时候,他画过一张时任法国总理德维尔潘的9 平方米巨幅肖像。那双眼睛,严厉而阴森,那一头白发凶猛得象狮子。画这张画的时候,正好是德维尔潘推动在巴黎大皇宫举办“艺术的力量”大展的时候,这张画也在这个展览里展出,就象文艺复兴时代名画师给美第奇家族画的肖像在合适的场合隆重陈列一样。严培明把德维尔潘那种在国际上反对伊拉克战争,在国内和后来当总统的萨科齐勾心斗角你死我活的一面非常清楚地勾勒了出来。 但是肖像只是严培明绘画工作里的一小部份。有人物,就要有场景。近十多年来,严培明画笔下的世界是一个悲情世界。有你死我活,有葬礼,有苦难,有天灾,一幕幕都象 X 光片透视出来的挣扎和安宁,相互交替。往往安宁的时候,也就是死亡的时刻,要不然就是灵光一线的开悟的瞬间。 在卢浮宫,奥赛博物馆,巴黎小皇宫之后,这次严培明在法国南部阿维尼翁两个最重要的艺术殿堂-教皇宫和 Yvon Lambert 藏品美术馆-同时举办个展, 取名“老虎和秃鹰”。虽然没有展出德维尔潘的肖像,但是同样的气韵却在展览的题目里生动地流露出来。 多数有成就的艺术家同行公认严培明是一个大艺术家。是不是大艺术家,首先要看他在艺术上怎么解决同行间都会遇到的难题。阿维尼翁的教皇宫是中世纪最宏大的哥特式建筑,展厅的高度 17米,面积 700 平方米, 这首先给艺术家提出了什么是合适的作品尺寸的问题。 严培明不仅把握好了这么大的展厅里作品纪念碑式的宏大壮观的问题,更进一步强调了绘画本身深藏不露的微妙的复杂, 还演绎了杜尚的观念艺术符号。 展厅里严培明的画作分三个部份。一是十字架上受难的耶稣, 二是弘法传道的教皇和两个凡人,三是蝙蝠。受难的耶稣是半侧面的,5米高, 放在祭坛的上方, 光线从画作两旁的哥特式玻璃窗的中间透进来。 耶稣对面就是教皇和两个凡人。这三幅画都是6米高,加起来有9米宽。远看,这三个人好像都是X光透视的那种灰,但其实只有教皇是黑白的,左边的凡人是红的,右边的凡人是蓝的。那种看起来象灰的红,那种看起来象灰的蓝,给作为主基调的黑白画带来色彩层次上的细节。在耶稣和教皇之间是四幅蝙蝠图,一共24米长。蝙蝠洞是费城美术馆杜尚的 Étant donné 的结构 。这四幅画取名逃难。 展厅里,耶稣,教皇,凡人,其实都是严培明的自画像。他给自己分配了不同的角色,既是救世主,又是福音传道者,更是信徒。在艺术上,他用自导自演的场景,把他的尊重的观念艺术家,好朋友黄永砅在巴黎大皇宫 Monumentale 展览上装置作品的几个要点用画家的办法呼应了一番:在一个巨大的体量支持下,紧扣展览地的历史文化背景,关注展览时刻的社会关切。 严培明还把观念艺术的图腾棋盘放在教皇身边的凡人的脚下,就像他对提香, 对科尔贝等绘画史上的名人的关注一样,他要将自己的作品与艺术史上某种崇高的价值开辟一种呼应,对接,变形转换地去发展他自己的追求。 在教皇宫里,严培明铺垫的, 编导的,表现的不仅仅是绘画的技术,绘画的塑造能力,绘画的思想性,绘画的观念艺术包容性,其实最主要的, 最有严培明特点的是绘画里透露出来的世界观,这种世界观的价值,和对价值的信仰。 有了信仰,有了信仰带来的悟性,才可能分享到灵感,才可能长出大气运的羽翼。不信, 当然就不会灵了。 既然要信,就要有道理作为基础。这个道理我们要到 Yvon Lambert 藏品美术馆里去找找看。 那里的一件点题的作品是2015年的画作“老虎和秃鹰”。画面里几只秃鹰盘旋在两只老虎的身边,有点围攻的意思。老虎之间,是另外一只已经被撕咬得血肉模糊的动物。其他展厅里,是苏丹儿童,是逃生的难民,坐在我们时代的诺亚方舟里。在秃鹰和难民之间,是上海,东京, 法兰克福等地的妓女和嫖客,是死去的女明星,是第戎美院青年毕业生画的变形春宫,是被谋杀的政治家肯尼迪,马丁路德金, Che Guevara, 还有毛泽东的肖像。 在老虎和秃鹰的搏斗中,在大迁徙的移民的诺亚方舟里,画家展现给我们的是世界发展不平衡不充分的真实写照,是财富垄断下的苦难,是一个资本周期到了尾声的时刻的觉醒。世界各地政治的血腥和无情,反应在创作者成长的年代里陆续出现的人,陆续发生的事件里。严培明自己也经历了从上海到巴黎的移民过程,他通过画面,通过艺术,与读画的人分享什么是生活里最重要的东西。 在最后一个展厅,他画了自己的父母。我依稀记得严培明提起过,他母亲是一个很会持家的人,是一个有担当的人,母亲的言传身教也成就了严培明今天的为人,这个曾经在巴黎 Beaubourg 路 99号的中餐馆里给亲戚端盘子洗碗的小伙子,从卑微的角色走向可以很有底气地面面俱到地照顾亲朋好友生活的顶梁柱角色。马克龙总统在中国春节期间到他的工作室拜访,他打电话把艺术家朋友们一个一个请来围炉座谈。 在老虎和秃鹰出没的丛林里,在政治家倒在血泊中的时代里,在资本用艺术为自己算卦的执着中,严培明用画笔把教皇和他自己一前一后地在展览中凸显出来。 他的道理是他母亲的道理。是慈悲和宽恕,用这些道理,他这个上海平民家的男孩把欧洲文艺复兴时期的绘画巨匠的工作方法,绘画技术,展示路径,收藏规格和体系完整地继承下来,认真地延续下去。这些道理的意义超出了绘画的成功,超出了今天的艺术价值,它让严培明的作品在精神层面很有力量,很有预示未来的底气,因为只有开悟了,通透了,才能够迎接资本周期末端还不能一目了然的重生和复兴,才可能抵达诺亚方舟要去的彼岸,才可能被概率和机缘巧合宠幸。严培明得道了,他长出了大气运的翅膀,飞了起来。严培明笔下的母亲肖像,一位普普通通的老人,却让人感动。人们买来印得很精美的复制品,请严培明签名,就像领到了一个道理,分享到了一种精神一样, 就好像在猛虎和秃鹰的丛林世界里,这种眼神,这种阅历,这种明白,可以给喜欢严培明艺术的人也得到一份那种成就严培明的力量, 那种只可意会的绝处逢生的复兴的力量。 严培明有一张四十年前出国前的合家照。那时候的严培明,很单纯的上海青年的模样,如果说 Marc Riboud 赞叹他镜头前的中国女孩巩俐具有宗教级别的美, 那这种美在早年的严培明的脸上一样洋溢着。现在的他,留了Charles Le Brun 的长发,但他不会要 Le Brun 那份雍容。 取经的善男信女向往美好, 严培明用灯光下的餐桌来款待喜欢他的人, 法国费加罗报还专门发了一篇文章描述盛况。客人不在的时候,严培明可能在很简单地用过老上海普通人家熟悉的小菜之后,就钻进他的画室。他靠升降机画他的大画,他为母亲画,为决定这个世界的命运的人画,为他眼里的世界画,为他的道理画,他享受绘画。他靠绘画营造他的地狱和天堂。在想心事时,他的眼神,是忧郁的。可是一到画布面前,一下子变得清澈透亮起来,就像四十年前在上海的样子。 请听艺术家严培明访谈 (2021年8月10日,法国阿维尼翁 Yvon Lambert 藏品美术馆花园)
    8/11/2021
    14:27
  • 文化艺术 - Hélène 的视角 : 还活着 ( Still alive )
    在今天的节目里,我们要向您介绍法国北部的里尔美术馆里的 Hélène Marcoz 个展“Hélène 的视角”。Hélène Marcoz 是法国里尔国立建筑和景观学院的讲师。作为一位以摄影和视频为媒介的艺术家,她系统性地使用一套工作方法:用摄影或摄像器材长时间地定格在一个镜头里,不停地拍摄。换句话说,机位不变,但是镜头里的景观却随着时间的进程不断发生变化。于是Hélène Marcoz 对变化过程中的图像进行选择,或叠加,或取舍,或兼而有之。她镜头里的空间是固定的,但是时间的流动对景物所造成的影响却是不固定的。艺术家把时间造成的变迁在固定的空间里表现出来。 Hélène Marcoz 把这种方法用在好几个系列的作品里。比方说花的系列摄影: 艺术家把镜头放在花的跟前,从花开到花落,在一个固定的取景里,把花的一生都拍了下来。然后,她选择了其中几个定格,把它们重叠起来,合成一个画面。在这个画面里,我们可以看到一朵花在它生命的历程里几个有代表性的片段组合起来的造型。 比方说公园。艺术家用一个固定视角去看公园里一个可以作为印象画派塑造的公园景色原型的景观。春天看,夏天看,秋天看,冬天看。 她把这个视角里的四季都纪录了下来。然后做取舍,景观里,有的树选冬天的树,有的草选春天的草。经过这个组合,四季在同一个景观里的不同位置里出现。 当然,Hélène Marcoz 创作法也和人物结合起来。里尔美术馆向她征订了一批摄影作品,于是她就把机位设在一个固定位置,先拍美术馆的馆藏名画,然后拍在名画前欣赏的观众。她总能让观众的一个机理特点和色彩特点与这些馆藏名作里的一个构图特点产生共鸣。 Hélène Marcoz 的工作方法不仅仅用于图片,也用于影像。 她的根据是 19世纪的先驱摄影家 Gustave Le Gray 的摄影作品。Le Gray 将不同时间点摄制的同一取景框里的作品拿出来合成。海平面上是一个时间点拍的,海平面之下又是另一个时间点拍的。拼接的痕迹虽然在,但是如果看的人不是可以聚焦有痕迹的那个区域,一般是不会把拼接痕迹收进视野的。Hélène Marcoz为里尔美术馆做得作品用影像翻译了 Le Gray 摄影作品的方法,将不同时间的的天和不同时间点出现的海洋经过画面构成取舍后,叠加起来,形成一道独特的图景。 Hélène Marcoz 很注意强调她的创作与美术史的价值取向的结合。比方说, Le Gray。 这是一位被美术史确立的照相创作的先驱。Marcoz 用影像翻译 Le Gray 的摄影作品,把 Le Gray 为人称道的创造性价值通过当代人的媒介翻译保留了下来。 在观众看美术馆名作的系列中,作者对与美术史肯定的作品的挂钩更加直接。 Hélène Marcoz 本人强调她在创作方法的追求上非常执着。这就给我们带来一个新的问题, 艺术家是在做一个“形式就是内容”的艺术,还是在做一个“形式为内容服务” 的艺术。 我想,这两方面都有。她在对创作方法的选择固定下来之后,在与美术史上的名人名作的关系找到对应的同时,她的工作不知不觉中与美术馆的关切结合起来。 里尔美术馆向艺术家征订纪录观众看历史上的名画家的图片。 这个项目实际上是美术馆对自身的一种价值肯定和价值分享。分享的过程对于美术馆和美术馆价值观的保留具有非常正面的意义。 如果说这种对美术馆的价值观的肯定与分享的初衷已经比较明显,那么敦刻尔克美术馆向Hélène Marcoz 征订一组新的观众看馆藏名作的画面在形式为内容服务的层面上又进了一步。 当地的市长把美术馆转型为影像资料馆。于是敦刻尔克美术馆只能从自己的场地里撤走。美术馆的研究馆员把藏品放进库房。他们向Hélène Marcoz 征订了一组类似在里尔美术馆那样的纪录观众在作品前欣赏作品的图片。这组图片的意义在这个语境里就很不一样了。让艺术产生力量的思路是不言而喻的。 Hélène Marcoz 的创作在对美术史的追求和对美术馆的依靠上是非常明确的。她为这次里尔美术馆的画册特意请了卢浮宫的的一位高级研究馆员 Dominique de Font-Réaulx 来参加序言的写作。她目前还没有一家长期固定合作的画廊。她说在美术馆办个展期间,会把一些藏家朋友请到美术馆来欣赏作品。 Hélène Marcoz 是一位说话比较内敛的人,语气平稳。她是一位教师,她说喜欢教学工作。因为她在准备给学生讲课的时候,都会思考一些创作上的问题。她的思考会在和学生的交流中得到验证。教学相长。 在和她的谈话中,我比较关心的是她的相对严谨和固定的方法,一方面看到了方法的系统性, 另一方面在关心,系统性之外又多少空间留给不可预见的巧合。 Hélène Marcoz 说,她的工作里有相对固定的一面,但也有不可预见的一面。对她来说,她注意到了这一点。 但她拒绝悲观的固定,她追求的是乐观的积极的发展变化。比方说,对于画面中的静物,她不会把它们说成是死了的标本 (Nature morte),她更喜欢把它们说成是还活着 (Still Alive). 新冠疫情让她原本在里尔美术馆的展览没有办法原汁原味地与观众见面,因为封城地时候,展品都锁在美术馆里,观众看不见。但有一天,里尔市政府指示美术馆拿出一部分摄影作品挂在美术馆大楼周围的铁栅栏上。于是观众终于能够户外来欣赏她的工作;而这部分作品,有好几个标题,其中一个就是 “还活着” (Still Alive)。
    7/19/2021
    9:32

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