Punto Muerto

• U2 - All That You Can't Leave Behind

  "All That You Can't Leave Behind" fue el primer lanzamiento de U2 del nuevo milenio, editado el 30 de octubre del 2000 en Europa y el 31 de octubre en el resto del mundo. El nombre proviene de una parte de la letra de la canción "Walk On", que se incluye en el trabajo. El álbum se desarrolló de principio a fin con los productores Daniel Lanois y Brian Eno. Todo comenzó con la grabación de demos en el estudio Hanover Quay de Dublín a finales de 1998, para luego trasladarse al sur de Francia, donde Bono y The Edge tienen su casa de verano, y donde se grabó el corazón de la obra. La grabación del álbum continuó hasta el año 2000 con interrupciones para el trabajo de Bono en Jubilee 2000 (la campaña para condonar la deuda de los treinta países más pobres del mundo) y un descanso de dos meses mientras Bono trabajaba en la banda sonora de la película de Wim Wenders “Million Dollar Hotel". Inicialmente, U2 quería lanzar el álbum en 1999, pero, preocupados por los problemas que habían tenido con "Pop", se negaron a fijar una fecha de lanzamiento hasta que estuvieran seguros de que el álbum estuviera completo. Unas dos semanas antes de su lanzamiento, el álbum se filtró en internet a través de una copia promocional que había circulado Island Records. Esos eran los tiempos de Napster. "Pop" había sido testigo de las primeras filtraciones en internet de canciones de un álbum, pero esta era la primera vez que el álbum completo se conocía antes de la fecha de lanzamiento prevista. La portada del álbum es una fotografía de la banda tomada en el Aeropuerto Internacional Charles de Gaulle de París, Francia, en la entrada de las puertas F21-36, aunque esto último se ha eliminado de la fotografía de Anton Corbijn y se ha reemplazado por "J33-3", una referencia al versículo bíblico Jeremías 33:3 que dice: "Clama a mí, y yo te responderé cosas grandes y ocultas que tú no conoces". - Cuando U2 trabajaba en “When I Look at the World” (la canción que acabamos de escuchar), el padre de Bono padecía un cáncer que le costó la vida en 2001. Ya sea que le hable a alguien, o sea una queja a Dios, la canción muestra el enojo ante la angustia de la mortalidad. Eso se refleja en las siguientes líneas: “Estoy en la sala de espera No puedo verte por el humo Pienso en ti y en tu libro sagrado Mientras el resto de nosotros nos ahogamos” En el libro "U2 by U2”, Bono explica esa letra: "No sé por qué está ambientada en la sala de espera de un hospital en la época en que se podía fumar en esos lugares. Casi podría ser la voz de mi padre mirándome. La mirada crítica. El desprecio. Pero eso es lo que recorre todo el álbum, lo que le da su cohesión, ese tono de verdad, conectando con lo que estaba pasando en mi vida, conectando con mi padre y mi madre, que es probablemente a lo que todo se reduce, porque no he estado en una sala de espera llena de humo desde que tenía 14 años cuando ella murió. Siempre me asombra cuando salen cosas así". Por otro lado, la letra de “Beautiful Day” se inspiró en la experiencia de Bono con el Jubileo 2000, una organización benéfica que instaba a los políticos a reducir la deuda de los países del Tercer Mundo. Además, Bono describe la canción como “un hombre que lo ha perdido todo, pero encuentra alegría en lo que aún tiene”. Por supuesto, nada de esto se hubiese transformado en una canción sin el riff de The Edge, quien recordó la grabación para la revista Mojo de julio de 2010: “La canción había pasado por varias versiones y, aunque siempre sentimos que tenía algo, era difícil ver hacia dónde iba. La verdad es que el momento de mayor emoción fue cuando Bono dio con la letra: 'It's a beautiful day'. Parece una letra banal, pero no lo es, y combinada con la música, surgió algo increíble y todos lo reconocimos. Luego, la contribución de Brian (Eno) fue esa fantástica apertura de bombo y teclado con un toque europeo, y eso nos dio la pista de hacia dónde debía ir a continuación”. La parte que reza, "Mira el mundo en verde y azul", se inspiró en una cita de Neil Armstrong, quien, como parte de la misión Apolo 11 en 1969, fue el primero en caminar sobre la Luna. Armstrong dijo: "De repente, me di cuenta de que esa pequeña arveja, bonita y azul, era la Tierra. Levanté el pulgar y cerré un ojo, y mi pulgar ocultó el planeta Tierra". - Además de la idea lírica, del concepto, todo el álbum fue presentado con “una vuelta a las raíces” del sonido U2; si bien esto es bastante discutible. También se presentó como el sonido de “4 músicos tocando en un estudio”, lo que da la idea de dejar atrás la experimentación de la década anterior. En todo caso, en mi opinión, “All That You Can’t Leave Behind” es un resumen de todas las etapas vividas por el grupo hasta ese momento. Quizá, un buen ejemplo de ello, sea la canción “New York”. Un tema que describe las bondades, amenazas y vicios de la gran manzana, mezclado con la crisis de mediana edad; todo sobre un loop basado en un patrón de ritmo de Larry Mullen Jr, con la guitarra minimalista de The Edge adornando la canción con sus clásicos fraseos y el bajo de Adam Clayton dándole profundidad. Por cierto, en palabras de Bono, es un tema dedicado a Lou Reed y Frank Sinatra, si bien la letra no contiene ninguna mención especifica sobre ellos. - “Peace on Earth” trata sobre las tensiones en Irlanda del Norte. Bono la escribió una noche después de un atentado en la ciudad de Omagh. La parte que dice, “Ella nunca llegó a despedirse, para ver el color de sus ojos, ahora está en la tierra”, habla sobre cómo James Barker, una víctima, fue recordado por su madre, Donna Maria Barker, en un artículo del Irish Times tras el atentado. Sean y Julia, Gareth, Anne y Breda (nombrados en la canción), también fueron víctimas del atentado de Omagh. Fallecieron el sábado 15 de agosto de 1998. Quizá, la línea de la canción que aún sigue resonando es la que reza: “Sus vidas son más grandes que cualquier gran idea.” - “Walk On” habla sobre Daw Aung San Suu Kyi, una activista birmana que fue condenada a arresto domiciliario en 1989 por protestar contra su gobierno. Sus acciones fueron vigiladas de cerca por el gobierno, siendo una líder influyente que ganó el Premio Nobel de la Paz en 1991. Su arresto domiciliario terminó en 2010 y fue liberada. "Es una canción sobre la nobleza y el sacrificio personal", explica Bono en el libro U2 by U2, "sobre hacer lo correcto, incluso si tu corazón te dice lo contrario. El amor, en el sentido más alto de la palabra, es lo único que siempre puedes llevar contigo, en tu corazón. En algún momento, tendrás que perderlo todo de todas formas". En 2015, la Liga Nacional para la Democracia (LND) de Aung San Suu Kyi obtuvo la mayoría en unas elecciones históricas en Myanmar. Asumió el cargo de consejera de Estado y un rol de liderazgo en el país. Muy lamentablemente, en 2017, el ejército expulsó a cientos de miles de musulmanes rohinyá en lo que las Naciones Unidas calificaron de "limpieza étnica". Aung San Suu Kyi fue duramente criticada por su participación en la atrocidad, y quienes la defendieron quedaron horrorizados. "Quizás siempre fue una política calculadora", declaró Bono a la revista Rolling Stone. "No fue una santa. No fue una especie de salvadora. Quizás siempre nos equivocamos, y simplemente debemos aceptarlo. O quizás le haya sucedido algo terrible que simplemente desconocemos". - Bono compuso esta canción después de volar una cometa con sus dos hijas. Siendo una estrella de rock, no estaba acostumbrado a volar cometas, así que la misma se estrelló y se fueron a casa a jugar videojuegos. El incidente trajo al cantante de vuelta a su infancia, cuando su padre tuvo la misma mala suerte con una cometa. Bono, quien estaba a punto de perder a su padre por cáncer, reflexionó sobre su propia mortalidad: "No estaba seguro de mi propio bienestar. Solo quería tener canciones que, de alguna manera, les contaran a mis hijas algo sobre quién era su padre". Mi canción favorita del álbum. Escuchamos la emocionante y magistral “Kite”. - "Tenía la idea de escribir sobre la naturaleza temporal del ser, pero ambientarla en una resaca le da un toque cómico y terrenal que equilibra las pretensiones filosóficas". Bono tenía apenas dos horas de sueño cuando llegó al estudio para grabar "In A Little While", así que improvisó la letra y la melodía que trata sobre la relación con su esposa Ali, mientras va a su encuentro luego de una larga noche de alcohol. Esta preciosa canción sobre una noche de borrachera, tomó otro cariz poco después de editada, ya que fue la última canción que Joey Ramone escuchó antes de morir el 15 de Abril del 2001. De hecho, Bono dijo que Joey convirtió una canción sobre la resaca en algo religioso. El hermano de Joey, Mickey, recordó a la revista Mojo ese momento: “Fue tan pertinente y triste escuchar estas palabras: 'Dentro de poco, este dolor dejará de doler'. La canción terminó y la enfermera dijo: 'Ya se ha ido'. Pensé que se fue con la canción a ese lugar al que van las canciones después de tocarlas, donde sea que esté.” - Esta canción trata sobre Michael Hutchence, vocalista de INXS, quien fue encontrado muerto en una habitación de hotel en 1997 a los 37 años. Él y Bono eran muy amigos, compartiendo varios veranos en el sur de Francia. La canción es a la vez un homenaje a Hutchence y un mensaje de comprensión, que permite a quienes estén pasando por un momento difícil saber que pasará. En una entrevista con Rolling Stone, Bono dijo que él y Hutchence habían hablado del suicidio en el pasado: "Hablamos del suicidio varias veces y ambos coincidimos en lo patético que era". Bono dijo que "en cierto modo se habían prometido mutuamente" que ninguno de los dos se suicidaría jamás. Luego, en la misma entrevista, agregó: “Es una pelea entre amigos. Intentas despertarlo de una idea. En mi caso, es una pelea que no tuve mientras él vivía. Creo que el mayor respeto que podía mostrarle era no escribir una canción estúpida y sentimental, así que escribí una cancioncita con una letra realmente dura y desagradable, dándole una bofetada en la cara. Y lo siento, pero así fue como me salió". Con ustedes, “Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of”. - El tema final de All That You Can't Leave Behind trata sobre el concepto bíblico de la gracia, comúnmente definida como el favor inmerecido de Dios hacia el hombre. "Es una palabra en la que confío", explica Bono en el libro U2 by U2. “Incluso si no eres religioso, creo que aceptarías que todos los errores que cometemos tienen consecuencias. Y entonces entra la gracia para decir: “Asumo la culpa, cargo con tu cruz”. Es una idea poderosa. La gracia interrumpiendo el karma.” Esto fue All That You Can’t Leave Behind, de U2, en Punto Muerto.

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• AC/DC - The Razors Edge

  AC/DC pasó por una mala racha en los 80 con sus LPs "Flick of the Switch" y "Fly on the Wall", pero la situación empezó a mejorar con "Blow Up Your Video" de 1988 y continuaron su regreso con su siguiente trabajo, "The Razors Edge" de 1990. Aun así, el camino hacia el undécimo álbum de la banda, lanzado el 24 de septiembre de 1990, no fue del todo fácil. Antes incluso de empezar a pensar en una secuela de "Blow Up Your Video", el guitarrista y cofundador Malcolm Young abandonó la gira y entró en rehabilitación para superar una larga adicción al alcohol. Su sobrino Stevie Young, quien posteriormente regresaría a la formación tras el retiro de Malcolm por problemas de salud, lo sustituyó. "Sentía que las cosas iban cuesta abajo", admitió Malcolm en una entrevista de 1990 con la revista Q. "Estaba perdiendo el entusiasmo por todo, el grupo, la vida en general. Era simplemente la bebida lo que me deprimía. Tuve que dejarlo". El siguiente en irse fue el baterista Simon Wright, quien se unió tras el despido de Phil Rudd en 1983. Wright renunció para unirse a Dio en la grabación de su LP "Lock Up the Wolves", y fue reemplazado por el veterano de sesión Chris Slade. Se avecinaban más turbulencias, ya que el cantante Brian Johnson tuvo que tomarse una excedencia temporal para lidiar con su divorcio. Esto supuso una carga adicional para Malcolm y Angus Young a la hora de componer, ya que Johnson había sido responsable de las letras desde que se unió a la banda tras la repentina muerte de Bon Scott. - Con el control total de las riendas creativas de AC/DC, los Young asumieron el reto con entusiasmo. "En lugar de estar creando riffs todo el tiempo y pensar que podríamos crear melodías a partir de ellos, empezamos por el otro lado y nos concentramos en crear canciones completas", explicó Angus en una entrevista de 1990 con el Auckland Star. Todos los cambios previos al álbum podrían haber marcado ya de forma suficiente para diferenciar a The Razors Edge del resto del catálogo de la banda, pero otro gran cambio estaba a la vuelta de la esquina: el hermano de Angus y Malcolm, George, quien había producido sus álbumes anteriores y había regresado para dirigir Blow Up Your Video, se vio obligado a retirarse del proyecto por problemas personales. Siguiendo el consejo del excantante de Gentle Giant, Derek Shulman, la banda optó por contratar a Bruce Fairbairn como productor (cuyos créditos recientes incluían Slippery When Wet y New Jersey de Bon Jovi) para reemplazar a George y a su compañero, Harry Vanda. - Al trasladar las sesiones de Irlanda a Canadá, el productor Chris Fairbairn le dio a la banda una inyección de energía creativa. "Cuando estoy en esa parte del mundo, siempre pienso que los productores van a ser muy influyentes, más profesionales que aficionados", explicó Angus. "Pero Bruce era realmente bueno. Me sorprendió un poco porque me dijo: 'Quiero que suenes como AC/DC a los 17'". Aun así, si bien las cosas estaban lejos de ser como siempre tras bambalinas, los Young no estaban dispuestos a reinventarse musicalmente. Los mismos instintos que habían hecho de Fairbairn la pareja perfecta para Bon Jovi y Aerosmith le ayudaron a convertir a The Razors Edge en un disco más compacto y pulido de lo que habría sido en manos de otro productor, pero en el fondo, seguía siendo claramente AC/DC, que es exactamente como la banda lo quería. "Con AC/DC, siempre hemos empezado con el rock y lo hemos mantenido. La opinión de la crítica siempre es: 'Acaban de hacer un álbum y es igual que el anterior'", dijo Angus encogiéndose de hombros a Guitar World en 1991. “Hago lo que quiero, cuando quiero”, agregó. - Claro que ningún productor habría tenido un impacto significativo si los Young no hubieran podido crear material valioso para The Razors Edge. Afortunadamente, no fue así: el enfoque principal de las canciones de Angus y Malcolm se percibía desde los primeros momentos del tema principal y primer sencillo del álbum, "Thunderstruck", construido alrededor de un riff de Angus tan potente que lleva el primer minuto de la canción prácticamente sin ayuda. "'Thunderstruck' fue una de esas canciones que simplemente encajaron con facilidad", recordó el ingeniero de mezcla Mike Fraser en el libro de Jesse Fink, The Youngs: The Brothers Who Built AC/DC. “La parte de punteo de Angus hace que la canción crezca como ninguna otra. Recuerdo estar tan emocionado grabando sus partes que estábamos casi tan sudados como él.” "Es mágico. Tiene una estructura genial", añadió Fraser. "Es casi como si se estuviera conteniendo todo el tiempo, pero sabes que va a dar sus frutos. Te pone en marcha de inmediato, te llena de energía. Te lleva al frenesí. No da sus frutos demasiado pronto y toda la canción es simplemente esta estructura. Es increíble". - Impulsados ​​por el éxito de "Thunderstruck", The Razors Edge le dio a AC/DC su mayor éxito en años, alcanzando el número 2 en las listas estadounidenses y vendiendo más de cinco millones de copias solo en Estados Unidos, las mejores cifras de ventas que habían visto desde Back in Black una década antes. Su renovada presencia en las listas incluso se extendió a las listas de pop, donde el segundo sencillo del álbum, "Moneytalks", llegó al número 23. - Con el viento finalmente a su favor, la banda realizó una gran gira mundial, con fechas que comenzaron en el otoño boreal de 1990 y se prolongaron hasta mediados de noviembre de 1991. Estas fechas se conmemorarían con el gran disco AC/DC Live at Donington, publicado en octubre de 1992, que vendió tres millones de copias. Tras pasar la segunda mitad de los 80 aparentemente buscando la manera de mantenerse relevantes en un panorama musical cambiante, definitivamente habían vuelto a la cima, y ​​lo habían conseguido aferrándose con determinación al tipo de rock 'n' roll que siempre habían hecho mejor. De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio. Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Cerramos el programa con “Whole Lotta Rosie” en vivo desde el recién mencionado álbum grabado en Donington Park, durante el festival Monsters of Rock, el 17 de agosto de 1991. Esto fue The Razors Edge, de AC/DC, en Punto Muerto. “Elvis is still in the building, goodnight Montevideo City.”

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• Radiohead - Kid A

  Algunos álbumes están diseñados para ser compartidos. Reproducidos a todo volumen desde unos buenos parlantes para crear un sentido de comunidad. Otros álbumes anhelan el aislamiento. Una conexión entre artista y oyente. Una conversación directa que se disfruta mejor con auriculares para absorberte por completo. El cuarto álbum de estudio de Radiohead, lanzado en la segunda mitad del 2000, es sin duda un disco para auriculares. Su sonido está diseñado para ser disfrutado en habitaciones oscuras, con los ojos cerrados, y la etérea y sobrenatural calidad de la música se mueve en ese espacio. Ya con OK Computer, de 1997, ampliamente aclamado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos, Thom Yorke y compañía se tomaron un tiempo para reagruparse y redescubrir su futuro. Durante 15 meses, grabaron suficiente material como para justificar un doble álbum, pero al sentir que la música era tan pesada y densa, decidieron reducir las canciones a un solo lanzamiento y reservar el resto para el igualmente glorioso Amnesiac (2001). Mientras que OK Computer fue la cúspide de su reversión del rock alternativo, Kid A fue algo completamente distinto, inspirado en la electrónica glitch, fusionando elementos de jazz, ambient, art-rock e incluso hip hop alternativo. El resultado es maravillosamente desafiante. Oscuro, ominoso, aislante y denso, Kid A no se disculpa ni intenta suavizar sus momentos sombríos y punzantes, ni sus ritmos ásperos bajo la voz opaca de Yorke, que duele por un momento y te eriza al siguiente. Pero todo es intencional. Un experimento con un claro enfoque. - Desde la inquietante y fluida electrónica con múltiples capas de "Everything In Its Right Place", que se convirtió instantáneamente en un clásico de la electrónica tras su lanzamiento, hasta las notas finales sostenidas de "Untitled", el álbum no se detiene. "Everything In Its Right Place" (que acabamos de escuchar), guiada por sintetizadores, se siente a la vez claustrofóbica y liberadora, mientras que la voz de Yorke te canta al oído y los samples se arremolinan a tu alrededor. La proyección lenta de la línea de sintetizador y el sutil bombo mantienen la pista enfocada, mientras un nuevo mundo aparece delante tuyo. A continuación, la canción “Kid A", con su atmósfera vibrante y su contratiempo, crea una atmósfera que te sumerge en el sonido y te envuelve. El tratamiento vocal da la sensación de intentar desesperadamente sintonizar con la frecuencia de Yorke a medida que la canción aumenta lentamente la tensión y te permite asomarte por encima del horizonte sónico que te arrastra hacia abajo en los momentos finales. Esa tensión se desata en la oscura fiesta de bajos potentes de "The National Anthem", que fusiona el rock alternativo que Radiohead había llegado a definir con nuevos metales y ritmos fuertes. Es una revelación de un tema tan contundente que se convierte inmediatamente en casi una sobrecarga sensorial, además de ese riff de bajo imposible de no cantar. - Todo lo altivo y la jactancia se desvanecen ante dulces momentos de calma como la serena "How To Disappear Completely" y la ambient "Treefingers", que resulta reconfortante y relajante. Más adelante en el álbum, "Motion Picture Soundtrack" también ofrece una combinación de tensión y calma que te mantiene al borde del asiento, con momentos de cierta reflexión. "Treefingers" es una pieza instrumental que fue parte de la banda sonora original de la película Memento. Este tema ilustra el deseo de Colin Greenwood de crear un álbum que no fuera ni demasiado largo ni demasiado aburrido. Es cierto que mucha gente tiende a descartarla, considerándola relleno, pero es importante para Kid A. De hecho, separa dos partes del álbum; actúa como una pausa, de forma similar a como en los antiguos LPs era necesario girar el vinilo. Antes que eso, con su ritmo de jazz suave, está ”How To Disappear Completely”, de la que Thom Yorke declaró: "Soñé que flotaba por el río Liffey y no podía hacer nada. Volaba sobre Dublín y realmente estaba en el sueño. Toda la canción trata sobre mis experiencias de flotar de verdad". Parte de la letra se inspiró en una conversación que Yorke tuvo con Michael Stipe, cantante de R.E.M., donde Stipe le sugirió que abordara sus problemas bajando las persianas y diciendo: "No estoy aquí, esto no está pasando". - Temas que tienen el resonar de guitarra de "Optimistic", los suaves saltos de "In Limbo" y la dichosa "Morning Bell", con su paso adelante y dos atrás, amplían aún más el lenguaje musical de Radiohead, a la vez que juegan con su léxico ya consolidado. Actúan como pistas de enlace del punto de inflexión de la banda a medida que avanzan hacia sonidos electrónicos más experimentales. El título original de “In Limbo” era "Lost At Sea" (Perdido en el mar). Limbo es una palabra de origen religioso que significa un lugar en el más allá, entre el cielo y el infierno, mientras que Thom Yorke ha descrito esta canción como “el punto medio sobre cuándo te vas y cuándo regresas". Por otro lado, durante las presentaciones en vivo de "Optimistic", Thom Yorke ha cantado otra versión del estribillo: "Puedes intentarlo lo mejor que puedas, puedes intentarlo lo mejor que puedas. Lo mejor que puedas no es suficiente". Sin embargo, Yorke reveló en 2003 que el estribillo real de la canción ("Puedes intentarlo lo mejor que puedas. Puedes intentarlo lo mejor que puedas. Lo mejor que puedas es suficiente") surgió de las palabras de aliento que recibió de su pareja, Rachel Owen, ya que le preocupaba que "nada de lo que habíamos hecho fuera lo suficientemente bueno”. - En mi opinión, el tema estrella del álbum es ”Idioteque", que mezcla ritmos crepitantes con atmósferas y bases de sintetizador ciertamente inquietantes. Con una densa intensidad, sobre un campo de variados ritmos, el tema es una descarga de energía que te genera frío en la espalda. A medida que la canción se desarrolla, se distinguen innumerables delicias auditivas: un bajo desbocado aquí y allá, elementos de percusión vibrantes y melodías disfuncionales. Es la piedra angular sobre la que se construirían nuevas aventuras musicales, que se extenderían aún más lejos en los lanzamientos posteriores del grupo. - A diferencia del resto de la industria, Radiohead no lanzó sencillos y realizó pocas entrevistas y sesiones de fotos. En su lugar, publicó animaciones cortas y se convirtió en uno de los primeros grandes grupos en usar internet para promocionarse. Se compartieron bootlegs de sus primeras actuaciones en plataformas de intercambio de archivos, y Kid A se filtró antes de su lanzamiento. Además, en el año 2000, Radiohead realizó una gira por Europa en una carpa construida a medida sin logotipos corporativos. Kid A debutó en el número uno de la lista de álbumes del Reino Unido y se convirtió en el primer álbum de Radiohead en alcanzar el número uno en el Billboard 200 de Estados Unidos. Fue certificado platino en el Reino Unido, Estados Unidos, Australia, Canadá, Francia y Japón. También es cierto que su nuevo sonido dividió a los oyentes, y algunos lo tacharon de pretencioso o improvisado. Sin embargo, a finales de la década, Rolling Stone, Pitchfork y The Times lo clasificaron como el mejor álbum de la década del 2000, y en 2020, Rolling Stone lo situó en el puesto número 20 de su lista actualizada de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En otros reconocimientos, Kid A ganó el premio Grammy al Mejor Álbum Alternativo y fue nominado al premio Grammy al Álbum del Año. A continuación, escuchamos la magistral “Morning Bell”. - Como se mencionó anteriormente, Kid A es una obra maestra hecha para escuchar en auriculares, llena de exploración sonora y ritmos exóticos. Para sumergirte de verdad en ella, necesitás conectarte a la música y desconectarte de las distracciones del mundo exterior, ya que te lleva a adentrarte en tus sonidos internos. Y, te prometo, que encontrarás un gran consuelo en ese aislamiento. De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio. Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Nos retiramos con el tema que cierra el álbum, “Motion Picture Soudtrack”. Esto fue Kid A, de Radiohead, en Punto Muerto.

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• Oasis - (What's The Story) Morning Glory

  El segundo golpe del potente duo de discos iniciales de Oasis, fue el álbum de 1995 (What’s the Story) Morning Glory?, que catapultó al grupo a la fama y el reconocimiento mundial. En este álbum, el compositor principal, Noel Gallagher, empleó una gama más rica de influencias, mientras que las técnicas de producción se intensificaron en lo que se conocería como el inicio de la "Guerra del Volumen”, con su característico “wall of sound”, esa “pared de sonido” que dominaría las guitarras de sus obras. Estas fueron algunas de las razones por las que la crítica inicialmente fue tibia con este álbum, aunque han cambiado de opinión al ofrecerle grandes elogios con el correr de los años. Oasis lanzó Definitely Maybe en septiembre de 1994 y se convirtió en el álbum debut más vendido de la historia (hasta ese momento) en el Reino Unido. Esta repentina fama tuvo algunas consecuencias negativas, ya que el vocalista principal, Liam Gallagher (hermano de Noel), mostró un comportamiento extraño en el escenario y el baterista original, Tony McCarroll, abandonó casi que inmediatamente la banda. McCarroll fue reemplazado por Alan White. - Las sesiones de grabación de (What’s the Story) Morning Glory? se realizaron en un estudio galés durante la primavera boreal de 1995 con el productor Owen Morris. El álbum iba viento en popa, especialmente al principio, cuando el grupo afirmaba que grababan un promedio de casi una canción al día. Sin embargo, surgieron tensiones entre los hermanos Gallagher cuando Noel sugirió que fuera él quien cantara como líder en algunos temas, una decisión que Liam interpretó como un claro indicio de su posible destitución como vocalista. Esto desencadenó un altercado que finalmente suspendió la grabación durante tres semanas. No obstante, Morris ha declarado desde entonces que las sesiones, en general, fueron “el mejor, más fácil, menos tenso y el momento más feliz y creativo que ha tenido en un estudio de grabación” y que el álbum resultante está “rebosante de amor y felicidad”. - El tema de apertura, "Hello" (que acabamos de escuchar), es la única composición que no se atribuye exclusivamente a Noel Gallagher, ya que Gary Glitter y Mike Leander aparecen como coautores. Tras un comienzo intencionalmente fallido, con un acústico rasgueado de la introducción de “Wonderwall”, la canción da paso abruptamente a un arreglo de rock más pesado con un sonido denso y opaco, en un uso intensivo del procesamiento de guitarra, con la batería de White profundamente integrada en la mezcla. "Roll with It" (que escuchamos como segunda canción) tiene una sólida estructura de rock directo con un gran énfasis en el gancho y una interesante guitarra solista con eco. La canción se lanzó antes del álbum y alcanzó el número 2 en las listas de éxitos del Reino Unido. Lamentablemente, sus archienemigos de Blur, obtuvieron el puesto número 1 con la canción “Country House”, que fue editada el mismo día que “Roll With It”, el 14 de agosto de 1995. Luego, ese himno titulado ”Wonderwall”, comienza como un sencillo tema folk acústico rasgueado. Aunque, rápidamente evoluciona hacia un arreglo musical mucho más complejo y original, que logra la vibra perfecta, encontrando la unión entre el romance y la desesperación, a juego con su letra rica y filosófica: “Y todos los caminos que tenemos que recorrer son tortuosos, y todas las luces que nos llevan allí son cegadoras. Hay muchas cosas que me gustaría decirte, pero no sé cómo…” - "Don't Look Back in Anger" es una de las canciones eternas de Oasis, interpretada acertadamente por su autor, Noel Gallagher, quien demuestra ser el vocalista ideal en todo sentido para este himno sobre la reconciliación. La canción presenta pasajes complejos que se elevan a veces con riffs de guitarra de Noel y finos riffs de piano de Paul Arthurs, así como el bajo potente de Paul McGuigan. El título, la letra y el sonido rinden homenaje a artistas clásicos como David Bowie, The Beatles y John Lennon en particular (con la línea "Gonna start a 'Revolution' from my bed…") en un enfoque que legítimamente parece surgido de una época pasada. Lanzada como sencillo a principios de 1996, "Don't Look Back in Anger" se convirtió en la segunda canción de Oasis en encabezar las listas británicas, además de ser perfecta para quedar sin voz cantándola en cualquier festival que se precie.. - El álbum continúa con "Hey Now!", con clásicos elementos pop/rock de los setenta y una gran guitarra slide. A lo largo de sus cinco minutos de duración, esta pista emplea diferentes ritmos (que a veces parecen torpes pero nunca del todo desagradables), así como una buena melodía de Liam Gallagher durante los versos y una magnífica guitarra principal más tarde. Dicho eso, debo reconocer que no está entre mis favoritas. Luego llega el blues, bajo el filtro de Oasis, de "Some Might Say". Con otra sección principal genial con algunos sonidos de sintetizador salvajes para profundizar su efecto, "Some Might Say" fue el primer número uno de las listas de éxitos del Reino Unido de Oasis y vendió casi medio millón de copias en su lanzamiento. Más tarde, "Cast No Shadow", ofrece una gran variedad de efectos dulces: acústica rasgueada, ligeros toques eléctricos, guitarra slide, sintetizadores suaves, ritmos firmes pero contundentes, una voz principal emotiva, ricas armonías de fondo y letras profundas que rezan: “Al robarle el alma, le robaron el orgullo... Al enfrentarse al sol, no proyectó sombra” - En la recta final, la calidad del álbum nunca decae. El tema principal, "Morning Glory" (que abrió este episodio de Punto Muerto), tiene una gran influencia de R.E.M., con un riff fuerte casi metálico, que complementa perfectamente el gancho vocal gritado y repetido. Por otro lado, “She's Electric" es un tema pop despreocupado de rock brillante, cánticos a todo pulmón, rimas líricas y guitarras ligeramente sureñas. Y además, ella es eléctrica, ¿puedo ser eléctrico también? - "Champagne Supernova" es el cierre perfecto para el álbum, ya que entra sutilmente con su guitarra acústica, acordeón y texturas eléctricas antes de que el ritmo de batería de White impacte para darle cuerpo a la canción. Esa es una buena introducción a la sección principal de guitarra, que es ligera pero potente, antes de que la canción vuelva a la estrofa inicial mucho más rápida e intensamente, y desemboque en un riff de guitarra perfectamente caótico. Después de una estrofa final, la canción se desvanece lentamente, manteniendo la sensación general tanto del tema como del álbum, sellando este disco como un verdadero clásico. - Aunque Oasis ha sido criticado durante mucho tiempo por mostrar sus influencias a la vista, su habilidad única para integrar clásicos del rock y el pop en algo nuevo es lo que los ha llevado al éxito. Cuando los hermanos Gallagher se reunieron con Bonehead, Paul McGuigan y Alan White para grabar esto, ocurrió algo mágico. Liam y Noel se han llevado la mayor parte del crédito (y no es para menos), pero los cinco miembros merecen reconocimiento por crear uno de los mejores álbumes de al menos los últimos 30 años. Es decir, este álbum es tan bueno que una cara B, "Acquiesce", sería la mejor canción de docenas de álbumes de otras bandas al mismo tiempo. Dentro de 30 años, no estoy seguro de que este álbum y estas canciones sean menos populares.

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• Frank Sinatra - In The Wee Small Hours

  "Y mientras cantaba, creó el ambiente de madrugada más solitario del mundo". Esto es de las notas originales del álbum que muchos consideran el mejor de Frank Sinatra, y sinceramente, creo que nunca se ha dicho algo más cierto. In The Wee Small Hours (En La Madrugada en español) es un disco que crea una atmósfera de absoluta soledad y se ha convertido en la banda sonora de innumerables amores fallidos. Sinatra expone su mensaje desde el comienzo del álbum cantando: “De madrugada, mientras el mundo entero duerme, tú permaneces despierto y piensas en la chica…”. - A principios de la década de 1950, la carrera de Sinatra se vio en declive, puesto que su público adolescente, con el que se había vuelto más popular, había perdido interés en él al acercarse a los 40 años. En 1951, se dice que llegó incluso a intentar suicidarse, según James Kaplan, autor de la biografía de 2010 titulada “Frank: The Voice”. Más tarde ese mismo año, se emitió una segunda temporada de The Frank Sinatra Show en CBS, pero no tuvo la misma acogida positiva que la primera, ya que su presentador había perdido la energía que antes tenía. Posteriormente, Sinatra fue despedido de Columbia. - En contra de la voluntad de sus colegas, el 14 de marzo de 1953, el vicepresidente de A&R de Capitol, Alan Livingston, firmó con Sinatra un contrato de siete años. El acuerdo resultó ser un éxito; ese mismo año, en agosto, Sinatra apareció como el soldado Angelo Maggio en la película "De aquí a la eternidad". La película fue un éxito y su actuación fue aclamada, ganando el Oscar y el Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto. Con esta nueva popularidad, grabó dos álbumes, Songs for Young Lovers y Swing Easy!, que alcanzaron el tercer puesto en la lista de álbumes de Billboard, y este último el quinto en la del Reino Unido. Su interpretación del personaje principal en la película “El hombre del brazo de oro” le valió nominaciones a Mejor Actor en los Premios de la Academia y los premios BAFTA. - Para cuando grabó "In the Wee Small Hours", Sinatra venía en una seguidilla de finales de varias relaciones. Él y su primera esposa, Nancy Barbato, se separaron el día de San Valentín de 1950. Mientras aún estaba casado, comenzó una relación con la legendaria actriz Ava Gardner. Tras divorciarse en octubre de 1951, se casó con Gardner diez días después. Sin embargo, ambos estaban celosos de las aventuras extramatrimoniales del otro, por lo que la relación se deterioró durante la grabación del álbum Songs for Young Lovers. Gardner dejó a Sinatra dos meses después del lanzamiento de la película “De aquí a la eternidad", divorciándose en 1957. Ella declaró: "No podemos vivir juntos como cualquier matrimonio normal". - Se supone que la colección de canciones sobre “el amor que salió mal" de este álbum, y las conmovedoras interpretaciones de Sinatra, fueron resultado directo del deterioro de su relación con Gardner, hasta el punto de que se las conoce como "Canciones de Ava". En medio de estos problemas personales, Sinatra comenzó a seleccionar canciones para un nuevo álbum. Ensayaba cada una de ellas reiteradamente en casa con Bill Miller, su pianista. Se atribuyó la pérdida de Gardner a la capacidad de Sinatra para cantar el tipo de canciones que contiene In The Wee Small Hours, y el fracaso de esta relación no lo destrozó, sino que lo impulsó a cantar con mayor emotividad. Es innegable la cercanía e intimidad que transmite, intensificadas por el sonido de esta hermosa grabación. Es casi como si, como oyentes, nos inmiscuyéramos en el mundo de Frank. Pero, como se ha dicho, “es el mundo de Frank, y tenemos suerte de vivir en él”. - Aunque hay elementos de jazz en algunos temas, este es claramente un álbum de baladas de Sinatra. Combina una impecable selección de canciones con una orquestación y una entrega vocal impresionantes; además, la interpretación al piano de Bill Miller aporta una atmósfera inconmensurablemente especial. Cantante y pianista trabajaban juntos en las canciones antes de entrar al estudio, desentrañando los matices sutiles, perfeccionando el fraseo y los ligeros cambios de ritmo que le dieron a Frank su singular enfoque artístico. - Grabado en los estudios KHJ de Hollywood, con arreglos y dirección de Nelson Riddle y producción de Voyle Gilmore, alcanzó el número 2 en las listas de álbumes estadounidenses y comenzó su carrera de 33 semanas en mayo de 1955. La revista DownBeat, en su reseña de junio de ese año, comentó: “Este álbum debería ser un éxito de ventas durante años”. Setenta años después, estamos aquí homenajeándolo. - El álbum contiene temas de una pléyade de grandes compositores. Dave Mann y Bob Hilliard, Rodgers y Hart, Hoagy Carmichael y Jane Thompson, Einer Aaron Swan, Yip Harburg, Harold Arlen y Ted Koehler, el magnífico Duke Ellington y el extraordinario Cole Porter. Dicho eso, In The Wee Small Hours cierra con una rareza: una canción coescrita por el propio Sinatra, junto con Sol Parker y su viejo amigo Hank Sanicola. Estamos hablando de “This Love Of Mine”, que se grabó por primera vez cuando Sinatra estaba con la orquesta de Tommy Dorsey en 1941. Lo cierto, es que parece que todo lo que Frank Sinatra había grabado antes simplemente estuviera conduciendo a este disco. Haría mejores grabaciones de baladas individuales, pero este es el mejor álbum de canciones románticas; el que hay que tener listo y esperando, por si acaso amenaza con romperse el corazón. Porque cuando Frank canta “No hay amanecer cuando tu amante se ha ido”, no hay duda de su sinceridad. Perfección.

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